Un artista en casa en las líneas de falla

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Visita al estudio

Por Jori Finkel

SANTA MONICA, California — El estudio de Analia Saban aquí, que tomó el control de John Baldessari hace ocho años, todavía está lleno de vestigios de los primeros días, embriagadores y de bajos alquileres, cuando el arte conceptual comenzó en Los Ángeles. Señala cajas de correspondencia y registros dejados por Baldessari, un pionero del movimiento.

En la sucia pared del baño hay un regalo que recibió de otra figura central, Lawrence Weiner: un texto que dice en rojo “el rastro de una acción pasada, es decir, un lugar húmedo”. En la parte trasera queda un pequeño cuarto oscuro construido en 1971 por un habitante anterior, William Wegman, quien también dejó una canasta de baloncesto. “Estos tipos nunca se mudan, simplemente se van”, ofreció Saban, sonriendo.

Luego está la grieta irregular que atraviesa el piso de concreto, causada por un terremoto.La grieta aparece en las primeras fotografías y vídeos de Baldessari y Wegman.

Ahora el crack también ha llegado al trabajo de Saban. En el corazón de “Folds and Faults”, su nueva exposición en la galería Sprüth Magers de Los Ángeles, hay una serie de piezas de hormigón dobladas y cubiertas que implicaban doblar una losa de hormigón de 1.000 libras por la mitad sin romperla completamente en dos.

“Al principio estaba pensando en el material, en cómo hacer que algo que no se doble pareciera tan flexible como el papel”, dijo Saban, de 36 años, con su melodioso acento argentino. "Pero mirando hacia atrás veo una conexión con los terremotos: la forma en que hacen que las calles de la ciudad se doblen o que un piso como este se agriete".

Y las imágenes del terremoto no son lo único que conecta el trabajo de Saban con los antiguos inquilinos del estudio. Se la considera una de las herederas de su divertida tradición de arte conceptual, incluso cuando se adentra en el territorio escultórico con sus piezas concretas, sus contrapartes de mármol y otros experimentos de pensamiento táctiles.

"Su trabajo se encuentra en este punto de inflexión entre lo conceptual y lo material", dijo Michael Govan, director del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. “Incluso cuando el trabajo tiene esta cualidad procesal rigurosa que se traduce al lenguaje, la primera respuesta es simplemente asombro. ¿Cómo dobló esa piedra?

"Todos estamos mirando para ver qué se le ocurre a continuación".

Lacma ya posee 17 de sus obras. También está representada en el Museo Hammer, el Museo de Arte Contemporáneo y las colecciones privadas más visibles: las de Cindy y Howard Rachofsky de Dallas, Don y Mera Rubell de Miami, y Maurice y Paul Marciano en Los Ángeles, cuya inauguración La muestra presenta tres de sus piezas. El crítico Christopher Knight de Los Angeles Times la calificó de “destacada” de ese programa por hacer “un uso inventivo de materiales tradicionales”.

La Sra. Saban recibió su primera encuesta sobre un museo en septiembre del Museo de Arte Blaffer en Houston. Resulta que una sábana ajustada que cubría holgadamente un lienzo grande estaba hecha de pintura acrílica. ¿Una copia perfecta de una toalla de mano de algodón blanca? Sólo papel.

La encuesta la mostró poniendo a prueba los límites y usos de los medios de la historia del arte: pintura, lienzo, tinta, mármol, de la misma manera que sus contemporáneos Walead Beshty y Wade Guyton exponen el funcionamiento interno de las nuevas tecnologías.

En otra serie llamada “Marcas”, logra raspar un trozo de emulsión de la superficie de una fotografía y colocarlo en un lienzo cercano como si fuera una pincelada. Este trabajo aparecerá en una exposición de Sprüth Magers que se inaugurará el viernes 7 de julio en Berlín, "una exposición muy nerd basada en mi investigación sobre pigmentos", dijo la Sra. Saban, que tiene la manera suave y modesta de un científico. y resulta que está casada con un médico.

"Hay algo quirúrgico en lo que hago", dijo. “Hago muchos cortes, aperturas y reconfiguraciones en mi trabajo. Me interesa desarmar algo para ver si puede tener otra vida”.

Estaba sentada en una mesa de su estudio frente a un gran telar de madera, utilizado para tejer hilos de lino e hilos hechos únicamente de pintura acrílica seca. “En lugar de pintar sobre el lienzo, pinto a través del lienzo”, explicó.

Con su nueva serie “Pleated Ink”, colgada cerca del telar, modifica el proceso de dibujo centenario. En lugar de usar tinta sobre papel, usó papel sobre tinta: presionó papel esculpido con láser con grandes áreas recortadas sobre una cama de tinta tipo periódico tan espesa que tardó seis meses en secarse. Uno muestra una planta en maceta; otra, una escalera en ángulo con barandillas incrustadas en la tinta.

Comenzó a extraer y subvertir los materiales de la historia del arte cuando todavía estaba en la escuela de posgrado en la Universidad de California en Los Ángeles. Nacida en Buenos Aires en el seno de una familia profesional (su padre era contador y su madre, bibliotecaria), dice que su infancia se vio interrumpida por el bombardeo de la embajada de Israel allí en 1992, a la vuelta de la esquina de su escuela. Ella tenía 11 años.

“Seguro que me marcó”, dijo. “Fue una verdadera explosión, con el suelo temblando, las ventanas rompiéndose y luego cayendo trozos del techo del aula. No me lastimé, pero muchos de mis amigos tenían sangre. Y creo que gran parte de mi trabajo tiene que ver con la destrucción, pero también con arreglar cosas, o tratar de tejer cosas, o mantenerlas, juntas”.

Un efecto extraño: después de que su escuela reabriera, construyó un laboratorio de video de primer nivel. "La embajada japonesa se sintió tan mal por nuestra escuela que donaron este increíble equipo de video de Sony", dijo. Como única aprendiz del laboratorio, aprendió habilidades básicas de edición y composición que ha utilizado desde entonces.

Luego estudió cine y videoarte en la Universidad Loyola en Nueva Orleans para obtener su licenciatura. Luego, para su maestría, se inscribió en el hogar para marginados del arte conocido como el programa de “nuevos géneros” de UCLA, estudiando con el siempre provocativo Paul McCarthy y el Sr. Baldessari, quien sigue siendo un amigo, mentor y fuente de títulos ingeniosos. (Se le ocurrió “Threadbare” para su nueva serie de trompe l'oeil en Sprüth Magers, que se parece asombrosamente a un lienzo).

Sin embargo, dijo que se sintió sin dirección durante la mayor parte de ese período. “Estaba muy perdido en ese momento. Era el año 2005 y era un punto muy alto en el mercado. Me sorprendió la cantidad de marchantes que venían a nuestros estudios a ver pintura; parecía que la pintura era lo único que importaba”.

Se preguntó: ¿Cómo es posible que un cuadro valga 90 millones de dólares? ¿Qué es una pintura de todos modos?

Coleccionó más de 100 pinturas de fuentes extrañas, tiendas de segunda mano, trabajos de compañeros de estudios, fábricas de pintura chinas que produjeron imitaciones de Picasso y Van Gogh. Luego procedió a desenredar cada lienzo en sus hilos salpicados de pigmentos, enrollándolos en una sola bola a la altura de los muslos.

"Había algo muy liberador en ello, comprender que la pintura no tiene por qué ser algo precioso que cuelga de la pared, es sólo un trozo de tela, un material de la vida cotidiana, como el hilo que usamos".

Mostrada en su exposición de graduación, “The Painting Ball (48 abstractos, 42 paisajes, 23 naturalezas muertas, 11 retratos, 2 religiosos, 1 desnudo)”, ayudó a asegurar su primera exposición en una galería en Los Ángeles y luego una en Múnich en 2007 con Sprüth. Mageros.

Y su interés por los pigmentos la llevó a realizar una residencia en el Getty Research Institute entre 2015 y 2016, cuando el tema académico era el arte y los materiales. "Mi idea era: ¿podría utilizar herramientas de conservación para hacer arte en lugar de conservarlo?" ella dijo. Terminó experimentando con fuentes tempranas de pigmentos como minerales de azurita e insectos cochinillas, fuentes de ricos tonos azules y rojos. En una obra de la exposición de Berlín, mezcla astutamente insectos enteros con pintura encáustica junto con el polvo rojo que se obtiene al molerlos, invitando a los espectadores a ver su proceso.

En 2014, la artista comenzó a trabajar en su serie “Draped Marble”, ideando una forma de doblar una losa de mármol sobre un caballete como si se colgara una toalla de playa sobre una silla. Usó un mazo para crear un pliegue en la losa de mármol, revestido con una malla de fibra de vidrio debajo para evitar que los fragmentos se desmoronaran. (Las esculturas de hormigón plegado requirieron mucha más fuerza y ​​requirieron una grúa para doblar el hormigón).

Claudia Schmuckli, quien organizó la exposición Blaffer, califica su elección de mármol como “extremadamente cargada”, en referencia a su evolución desde los templos de la antigua Grecia hasta las omnipresentes encimeras de cocina de hoy. "No creo que su trabajo pretenda ser una crítica abierta de la sociedad de consumo o el papel de la mujer dentro de ella, pero ciertamente refleja una conciencia de cómo el arte ha sido absorbido por la esfera decorativa y doméstica".

La Sra. Saban dijo que se inspiró en las magistrales cortinas talladas en mármol por escultores clásicos y renacentistas, citando los pliegues de la túnica de la Virgen María ondeando a sus pies en la Piedad de Miguel Ángel en Roma. El artista quedó impresionado por el extraordinario esfuerzo y la habilidad evidentes al transformar la piedra en lo que parece una tela: “convertir lo duro en flexible, lo áspero en pulido, lo fuerte en frágil”.

"Me encanta la forma en que estos artistas insistían en lo imposible", dijo.

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