Phyllida Barlow, creadora de "Non

Phyllida Barlow, 2022

La escultora británica Phyllida Barlow desafió las convenciones de la escultura durante más de cincuenta años. El lunes, la galería de Barlow, Hauser & Wirth, confirmó su reciente fallecimiento. Ella tenía 78 años.

El trabajo de Barlow se inspiró en su entorno. Es conocida por crear estructuras grandes e imponentes hechas de materiales económicos y de baja calidad. Tomaría cartón, madera contrachapada, yeso y cemento, y construiría formas que ocuparían todo el espacio de una galería. Las obras se bloquean, se montan a horcajadas y se equilibran precariamente, y los espectadores deben caminar a través de ellas y experimentar las esculturas de cerca. A menudo pintadas en colores industriales o vibrantes, las costuras y el trabajo manual de estas esculturas quedaban visibles. Aunque Barlow calificó estas obras de antimonumentales, no lo eran en absoluto. Estas son instalaciones imponentes y parece que podrían colapsar, torcer o tragarse a los espectadores en cualquier momento. Estar en presencia de una escultura de Barlow es como ser transportado a un nuevo paisaje, y ella realmente desafió la noción tradicional de cómo debería verse la escultura.

Vista de instalación, Phyllida Barlow, 'scree', Des Moines Art Center, Des Moines, IA, 2013

En una declaración sobre su fallecimiento, Frances Morris, directora de la Tate Modern, dijo: “La práctica de Barlow reconoce implícitamente que en un mundo saturado de objetos, el papel de la escultura y el trabajo del escultor podría consistir menos en hacer cosas que en generar un tipo particular de experiencia. de la obra y del mundo en el que reside temporalmente”.

Lo que hizo que el trabajo de Barlow fuera tan maravilloso de experimentar fue su alegría con sus médiums. Al utilizar materiales bastante baratos y utilitarios, Barlow pudo experimentar, dejar cosas sin terminar y sin resolver, de una manera que no se puede hacer con, digamos, el mármol o el metal. Las obras finales eran originales y de formas extrañas, pero debido a su tamaño y grandiosidad, eran hermosas e inspiradoras. En una entrevista con ArtReview en 2010, Barlow dijo: "Mi práctica es una resistencia al objeto de arte glamoroso" y que su práctica era "a la vez cómica y sombríamente autoritaria, y esa es mi relación con la escultura".

Phyllida Barlow, sin título: dintelshadow; 2018-2019, Vista de instalación, 'calle sin salida', Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido, 2019

Barlow nació en 1944 en Newcastle, Inglaterra. Al crecer, la familia se mudó a Richmond, un suburbio en las afueras de Londres. Después de varios bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, la ciudad de Londres trabajó para reconstruirla. Vivir esa reconstrucción se convirtió en una gran inspiración para Barlow, quien vio los ciclos de Londres tanto en sus ruinas como en su progreso.

En 1960, Barlow estudió pintura y luego escultura en la Escuela de Arte de Chelsea en Londres. Pero encontró que la atmósfera estaba dominada por los hombres y que los métodos de enseñanza de los profesores eran restrictivos. Como estudiante, se le negó el acceso a los talleres de soldadura. Esto sólo hizo que Barlow se interesara más en trabajar con materiales escultóricos y comenzó a experimentar con arcilla. Fue en Chelsea donde Barlow conoció a Fabian Peake, un compañero artista, con quien se casó en 1966. Después de Chelsea, Barlow se trasladó a la Escuela de Arte Slade, donde pudo trabajar con nuevos materiales como yeso, resina, fibra de vidrio y madera.

Phyllida Barlow TIP 2013 Madera, acero, pintura en aerosol, malla de alambre, algodón, cemento, tela, barniz, vista de instalación, Museo de Arte Carnegie, '2013 Carnegie International', Pittsburgh PA, 2014

Después de graduarse, para seguir financiando su propia práctica artística, Barlow enseñó en varias escuelas como profesora de arte. Enseñó en la Bristol School of Art, Chelsea, Brighton y durante veinte años en la Slade School of Art. La pasión de Barlow por enseñar en un entorno artístico progresista y su dedicación para defender la educación artística progresiva inspiraron a los estudiantes y crearon una red de apoyo de artistas y estudiantes con quienes perfeccionó sus ideas. Barlow enseñó a algunos de los artistas británicos contemporáneos más importantes, incluidos Rachel Whiteread, Sarah Lucas, Tacita Dean, entre otros.

Barlow continuó utilizando materiales recuperados en su trabajo durante los años 70 y 80, buscando cada vez más materiales que estuvieran disponibles en tiendas baratas cercanas mientras experimentaba con nuevas técnicas. La artista expuso su innovador trabajo en una exposición colectiva en el Camden Arts Centre de Londres en 1975, pero su carrera realmente despegó en los últimos años. Después de retirarse de la docencia en 2009, realizó una exposición individual en Studio Voltaire en Londres, lo que llamó la atención del curador Hans Ulrich Obrist, quien la invitó a exponer en la Serpentine Gallery en 2010. Poco después, Barlow se unió a Hauser & Wirth, realizó numerosas exposiciones individuales en instituciones reconocidas y publicó libros sobre su práctica artística.

Fue nominada al Premio Turner en 1998, ganó el Premio Hugo Boss en 2006 y fue elegida miembro de la Real Academia de las Artes en 2008. En 2017, Barlow representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia. También recibió reconocimiento real: en 2015, fue nombrada Comendadora de la Orden del Imperio Británico y, en 2021, la Reina Isabel II la nombró dama.