Gaby Cepeda en el río Álvaro

Vista de “¡Suéltame!” de Bayo Álvaro en Galería Deli, Ciudad de México, 2023. (Izquierda) Bosque, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, pintura a base de óleo, pigmentos, laca, 163 × 66 × 55 cm. (Derecha) Aloe para el príncipe de las flores (1), 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, malla metálica, esmalte, laca, 99 × 74 × 38 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Bayo Alvaro, Boca babeante de Cerbero (Aconitum), 2023. Porcelana fría sobre fibra de vidrio, estructura metálica, pintura al óleo, pigmentos, laca, 178 × 99 × 91 cm. Imagen cortesía del artista y Galería Deli, Ciudad de México. Foto de Ramiro Chaves.

Vista de “¡Suéltame!” de Bayo Álvaro en Galería Deli, Ciudad de México, 2023. (En el piso) Flex, 2023. Porcelana fría, cuerda, cinta adhesiva, 21 × 19 × 45 cm. (En la pared) Sendero de las Pretas, 2023. Papel, cola PVA, 30 × 234 × 8 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Bayo Alvaro, SD, 2023. Porcelana fría, cuerda, cinta adhesiva, 36 × 22 × 4 cm. Imagen cortesía del artista y Galería Deli, Ciudad de México. Foto de Ramiro Chaves.

Vista de “¡Suéltame!” de Bayo Álvaro en Galería Deli, Ciudad de México, 2023. (Frente) Nos tumbamos orgullosos junto al campo Iris, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, cadena, malla de alambre, cuerda de henequén, joyería de plata, ferretería, pintura a base de aceite, esmalte, 264 × 52 × 36cm. (Volver) Hueso, Jacinto e Hiedra, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, cerámica, malla, cadena, linóleo, cable de PVC, pintura al óleo, pigmentos, esmalte, laca, 406 × 71 × 71 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Bayo Alvaro, Canopy (Sket), 2022. Porcelana fría, pigmentos y pintura al óleo sobre estructura de acero, vinilo, cordones de algodón, aro de cobre, 99 × 41 × 56 cm. Imagen cortesía del artista y Galería Deli, Ciudad de México. Foto de Ramiro Chaves.

Vista de “¡Suéltame!” de Bayo Álvaro en Galería Deli, Ciudad de México, 2023. (Izquierda) Bosque, 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, pintura a base de óleo, pigmentos, laca, 163 × 66 × 55 cm. (Derecha) Aloe para el príncipe de las flores (1), 2023. Porcelana fría sobre estructura metálica, malla metálica, esmalte, laca, 99 × 74 × 38 cm. Imagen cortesía del artista y Deli Gallery. Foto de Ramiro Chaves.

Las recientes esculturas de Bayo Álvaro, que evocan una flora extraña y alienígena, recuerdan las descripciones de Karen Barad de una “performatividad queer” de la naturaleza.1 En esta concepción del mundo natural, nada es nunca exclusivamente masculino o femenino, animado o inanimado; ni es simplemente bueno o malo. Más bien, existe un potencial infinito para el cambio y la intraacción. Las piezas de la tercera exposición individual de Álvaro en Ciudad de México y la primera con Deli, una sucursal recientemente inaugurada de la galería de Nueva York, parecen entrelazadas en simbiosis, reflejando las formas en que los seres vivos tienden continuamente hacia otros y se transforman unos a otros.

El joven artista mexicano ha trabajado anteriormente en fotografía, collage e instalación. Aquí la atención se centra en la escultura. Las quince piezas exuberantemente distribuidas en la espaciosa galería de cuatro salas de Deli muestran el enfoque de Álvaro para esculpir formas que desafían la categorización fácil, ambiguamente situadas entre plantas y animales, criaturas vivientes y objetos inanimados. Los objetos de Álvaro son ejemplos particularmente lúcidos de una tendencia común en la escultura contemporánea: su tratamiento seductor de los materiales lo distingue de intentos más discursivos y didácticos.

Cada habitación se siente completamente articulada. Las piezas se colocan en proximidad, como si entablaran un diálogo intrincado, mientras que las obras más pequeñas se organizan como para formar un ecosistema íntimo. Tal es el caso de las dos salas del primer piso, donde La Boca Esclava (Aconitum) de Cerbero (todas obras 2023 salvo que se indique lo contrario), preside el espacio acompañado de Nido Negro (Sacrificio). El primero es una disposición de tres tablas que parecen brazos o lenguas que parecen invadir los espacios de cada una, como si desearan una caricia que nunca llega a materializarse, a pesar de que las tablas comparten la misma base metálica. Están hechos de porcelana fría estirada sobre un esqueleto de fibra de vidrio, pintados con aceite, pigmentos y laca de color rojo oscuro y negro, pero sus formas detalladas y las huellas de manos en sus superficies insinúan un organicismo abierto. Son vértebras que atraviesan la piel; el paladar; los pétalos de una extraña y gigantesca flor de la selva tropical o, como sugiere el título, las cabezas de Cerberus.

Si Cerberus parece explorar tentativamente sus propios órganos y el espacio circundante, Black Nest, ubicado al otro lado de la habitación, está enredado en sí mismo. Este objeto con forma de calavera de color morera intenso está suspendido del techo mediante cuerdas elásticas anudadas y finos giros de cuerda de henequén. Es corporal y sexual, pero rígido y controlado: una tensión que recuerda al BDSM. Su dinámica se completa con una pieza más pequeña, igualmente sugerente. SD es un segmento de cuerda gruesa con forma de gusano, finamente bañado en porcelana fría de color blanquecino para que sus fibras naturales aún sean visibles. Termina en una punta redondeada que se anima al colgar de la pared.

Las obras que abren la exposición son más duras y carnosas; A medida que uno avanza por las habitaciones, las obras se vuelven más sutiles y etéreas. En el segundo piso, dos piezas: Yacíamos orgullosos junto al campo Iris y Bone, Hyacinth and Ivy, cuelgan fantasmales del techo en un sistema de poleas compartido. Su apariencia es multivalente: podrían ser espíritus incorpóreos, especímenes botánicos exóticos, huesos alienígenas, medusas metafísicas. Se componen de piezas independientes de metal recubiertas de porcelana fría, combinadas con cerámica y unidas entre sí mediante cadenas, herrajes y cuerdas. Ambos son blancos, con sus tentáculos/hojas salpicados de toques de verde azulado claro y rosa. Su delicadeza sugiere que han evolucionado juntos conscientemente para coexistir mejor en este espacio y forma particulares. Otro punto destacado es Canopy (Sket) (2022), quizás la obra más parecida a una planta de la muestra, pero que aún sorprende por su agudo uso del color y los materiales. Cuelga de una base parecida a una roca unida a la pared, dos raíces óseas que terminan en nada fláccidas y amarillentas contrarrestan la tercera rama, peluda con hojas ennegrecidas que parecen helechos.

El comunicado de prensa del programa comienza con una cita del ensayo de Joan Didion de 1961 "Sobre el respeto a uno mismo". En él, Didion despliega la difícil tarea de alcanzar el respeto por uno mismo a través de la disciplina, el estoicismo y una aceptación constante y digna de las consecuencias de las propias acciones. A la luz de esta idea de que el respeto por uno mismo surge a través del conflicto entre las diferentes partes de uno mismo, las piezas de Álvaro señalan cómo, al buscar definirse y rehacerse a sí mismas, las personas lo hacen en relación con los demás. Siguiendo a Barad, la gente no está excluida de la “naturaleza” y de sus procesos de renovación, a menudo viciosos, a veces misericordiosos e interminables. Las piezas de Álvaro son como ofrendas florales, metáforas encarnadas de lo que uno está dispuesto a sacrificar, a cambiar.

Karen Barad, “La performatividad queer de la naturaleza”, Qui Parle, vol. 19, núm. 2 (primavera/verano de 2011), 121–158.

Gaby CepedaEs crítico de arte y curador independiente radicado en la Ciudad de México.